David de Bernini

miércoles, 20 de febrero de 2013 , , , , ,

Los 3 puntos de vista del David de Bernini
El David de Gian Lorenzo Bernini, obra en marmol de 170 cm ubicada en Roma, retoma el mito bíblico
de David y Goliath, en el cual David enfrenta al gigante Goliath armado de sólo una honda (otros escultores lo represntan con una espada).
Fue esculpido entre 1623 y 1624, tras ser encargada por el cardenal Scipione Borghese, y actualmente se encuentra alojado en una de las habitaciones de la famosa Galería Borghese.
Descripción y estilo: Bernini, siguiendo los esquemas del barroco, representa a David en un momento después de lanzar la piedra que matará a Goliath, captándolo en una torsión y en una expresión de esfuerzo con la máxima tensión física y emotiva. A diferencia de la visión renacentista también Donatello, Verrochio y Miguel Ángel representaron a David), la visión barroca de Bernini se elabora desde el movimiento, recogiendo todas las expresiones corpóreas que manifiestan el esfuerzo en una pose sinuosa y plástica.
El rostro de David parece ser un autorretrato del mismo Bernini en lucha con la dureza del mármol, la frente arrugada y los ojos fijos hacia el adversario parecen dar testimonio del gran esfuerzo realizado por el artista.
A los pies de David se encuentra la coraza (según el mito, prestada por el rey Saúl), dejada caer por ser muy pesada, en la que es reconocible una cabeza de águila, en referencia a la casa Borghese. Bernini realizó la estatua pensando en darle al espectador tres ángulos de visión diferentes, desde donde es posible recoger diferentes aspectos de la representación.

Virgen con el Niño - Andrea Vanni

martes, 19 de febrero de 2013 , , ,

Esta obra se encontraba originalmente en la ciudad de Tatti, en el oratorio de Santa Maria de la Gracia. Fue adquirida por el estado en 1970 y fue restaurada en 1980.
Estilo: la Virgen está retratada de medio cuerpo sobre un fondo dorado que le da una cierta aura mística de sabor bizantino. A derecha se observa un profeta con un papiro, mientras que en los dos tondos en alto se encuentran pintados San Lucas y un ángel. María tiene un manto azul con la típica estrella. La obra ejemplifica bien el estado del arte sienés a fines del siglo XIV.

Madonna Pisa (1250-1280) Maestro Della Sant’Agata

, , ,

La obra debe su nombre a Luigi Pisa, que la trajo a la Galería en 1933. Se ha atribuido al Maestro Della Sant’Agata, un pintor de la escuela florentina del duecento.
Estilo: la Virgen con el Niño está pintada sobre un fondo obscuro, originalmente recubierto de plata. Se trata de un ícono de Madonna Hodeghetria, que en griego significa “que indica el camino”, ya que con la mano apunta hacia su hijo: María simbolizaba la Iglesia, que señalaba el camino a los fieles hacia Jesús y la Salvación. El niño es tenido en brazos y vestido como filósofo antiguo: no en vano tiene un pergamino en una mano y bendice con la otra a la madre (y por lo tanto a la Iglesia).
Particularmente interesante resulta la planta de uno de los pies del Niño. Los dedos de María son extremadamente largos, sobre todo en la mano que sostiene al Niño. El manto azul tiene representadas dos estrellas, símbolo de la gracia divina. Como es típico de la época, la mirada de los protagonistas de desvían del espectador. Un motivo simple de flores estilizadas decora el borde inferior.

Dittico della Crocifissione e della Madonna col Bambino e santi (1255) – Berlinghieri Bonaventura

lunes, 18 de febrero de 2013 , , ,

 Los dos paneles eran seguramente un díptico, como lo demuestran los anillos aún visibles que actuaban como bisagra para mantener unidas las partes. La obra proviene del destruido convento monacal de Santa Clara de los Capuchinos, en Lucca, donde se encontraba hasta 1818, para arribar finalmente a los Uffizi en 1948. Es probable que el convento fuera el destino original de la obra, por la presencia de Santa Clara de Asís, canonizada en 1255, a la izquierda de la Virgen. 


Estilo: La crucifixión está representada con la cruz en Y, inspirada en modelos nórdicos, lo que aumenta el dramatismo y la sensación de peso y dolor de Jesús, que se presenta como Cristo Patiens (sufriente), de líneas largas y el cuerpo ladeado a izquierda.
Dos ángeles recogen su sangre, y a los lados las figuras están a escala reducida, sin una precisa colocación espacial con respecto a la cruz: a la derecha se dispone el grupo de las Mujeres Piadosas y la Virgen que se desmaya, y a la derecha aparece María hablando con San Juan. Debajo se observan dos escenas de la pasión en escala aún menor: el Via Crucis y la Deposición de la Cruz, de gran expresividad en el cuerpo arqueado de Cristo.
El panel de la Virgen con el Niño representa a los mismos rodeados de Santos yuxtapuestos en los lados y abajo. Es muy interesante notar el dulce abrazo que los lleva a tocarse con el rostro, con un sentido de familiaridad que parece anticipar Cimabue: Este es el ícono Bizantino llamado "Eleusa Virgen", que significa "madre amorosa". Jesús, como es típico en la pintura del siglo XIII, se retrata como un pequeño filósofo en toga antigua y un pergamino en mano. Con la otra mano derecha hace un gesto de bendecir a la Madre, símbolo de toda la Iglesia.

 El díptico se conserva en los Uffizi.

Estigmas de San Francisco (1250) – Maestro de la Cruz 434

, ,

Se trata de una pintura de témpera sobre tabla de 81 x 51 cm atribuido al maestro de la cruz 434 o al Maestro de San Francesco Bardi. La pequeña tabla, que originalmente formaba parte de un díptico, fue adquirida por el anticuario Ugo Baldi en el 1863 y destinada a la Galería de la Accademia, que por aquel entonces custodiaba la colección de los pintores toscanos primitivos.
La atribución de la tabla a suscitado varias hipótesis discordantes: se han mencionado los nombres de Bonaventura Berlinghieri, Coppo di Marcovaldo, y sobre todo al Maestro Della Croce 434, que parece ser el más probable.
Estilo: la obra, de forma rectangular, conserva aún la cornisa original decorada de espárragos dorados en relieve. Muestra una iconografía característica de la época, legada de los milagros del santo de Asís, que no tiene precedentes en la pintura figurativa de religiosa. Sobre el fondo de un monte muy empinado, Francisco se encuentra arrodillado en primer plano con las manos y los pies a la vista, mientras recibe los estigmas de un serafín, relaciionado con un pasaje del Evangelio de San Lucas, en el que está escrito que Jesús, prefigurando su martirio, sudó sangre y fue consolado por una aparición angélica. El evento es representado con serenidad, con una luz dorada que se difunde originando la iluminación, sobre todo en el detalle de la ladera de los montes, que parece translúcido, como esmaltado.

Crucifijo con ocho historias de la pasión o Cruz 434 (1240-1245)

, , ,

Crucifijo
Se trata de una pintura en témpera sobre tabla de 250 x 200 cm de un maestro toscano anónimo (“Maestro della Croce 434”). Es una de las piedras angulares de la pintura florentina anterior a Cimabue, y ha sido variadamente atribuido y fechado a lo largo de la historia. Hoy se cree que se trata de un maestro anónimo, influenciado por la escuela pisana y de Lucca,  entonces dominantes. Se ha intentado identificar a dicho maestro con Coppo di Marcovaldo, uno de los pocos pintores de esa época de quien se conoce el nombre y al menos una obra cierta (la Madonna del Bordone en Siena), pero las conclusiones no son definitivas. Se ignora la localización original de esta obra, y fue restaurada en 1964, removiendo una capa espesa de suciedad y la pintura de una restauración llevada a cabo entre los siglos XVIII y XIX.
Esta obra es un ejemplo de crucifijo del tipo Christus patines, en el que Jesús es representado doliente sobre la cruz. Se trata de una iconografía que se afirmó durante el siglo XIII impulsada por la predicación de los monjes franciscanos, sustituyendo a la más antigua del Christus triumphans, de origen bizantino.
Estilo: Cristo se encuentra representado en la cruz con una aureola con relieve. Su cuerpo, que no se encuentra totalmente de frente, posee una anatomía estilizada, diseñada a base de un juego de luces y sombras que ayudan a realzar las formas. Muy acentuada es la expresividad del rostro, con un triste gesto de dolor, arrugas en la frente y una continuidad entre los pelos de la cabeza y la barba.
Uno de los detalles más importantes de esta obra es el nudo en las vestiduras de Jesús, tratado con gran refinamiento, genera una serie de ondulaciones asimétricas que rompen con la simetría esquemática de las obras de aquella época. La diferente caída de la tela a los lados refuerza la sensación de que la pierna izquierda se encuentra hacia delante y que sobresale la rodilla.

En las tablas de los laterales hay ocho escenas de la Pasión y Resurrección de Cristo:
• Jesús ante Pilato
• La burla de Cristo
• Flagelación
• El Camino al Calvario
• Descenso de la Cruz
• Entierro de Cristo
• Mujeres piadosas en la tumba
• Cena en Emaús






Las historias son hábilmente dividir en antes y después de la Crucifixión, que obviamente está situada en el centro y es el sujeto principal. En ellos hay una cierta vivacidad narrativa, aunque sin alcanzar la expresividad de Cristo crucificado.

Madonna col Bambino in trono e due angeli (1230) - Maestro del Bigallo

, , ,

Virgen en el trono

La obra se encuentra en exposición en el museo desde el año 2007, adquirida al anticuario Fabrizio Moretti con fondos especiales girados por la Superintendencia de Firenze al Polo Museale Fiorentino. Se ignora la ubicación original de la obra, que en el siglo XIX se encontraba en la colección privada de un coleccionista.
Estilo: la obra, en buen estado de conservación, se encuentra entre las mejores del anónimo Maestro del Bigallo, el cual es uno de los pocos maestros italianos de quienes ha sido posible trazar un catálogo de obras. Al igual que la Madonna del Casale, la aureola de la Virgen excede el marco de la pintura. María se encuentra representada sobre un trono estilizado, con un almohadón rojo, con el Niño bendicente en un brazo. Los pies se apoyan en una tabla apenas escorzada. Como era típico, dos ángeles simétricos completan los dos ángulos a los lados de la Virgen.
El manto es rojo y se envuelve con pliegues, desarrollados de forma geométrica y plana, con esfumaduras. Las formas tienden a expandirse, dando al grupo el tono sagrado de una representación solemne y majestuosa, con la sugestiva desviación en la mirada propia de la artista.

Mis Pinturas

Mis Pinturas

Blogroll

Blogger news

About